Modern singing lessons in Paris

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• 1) Depuis quand développez­-vous une passion pour la musique et plus particulièrement pour votre instrument de prédilection ?

  Je chante depuis que je sais marcher. Ma grand-mère a enregistré ma première mixtape (les tubes de Noël) quand j'avais 4 ans. Mon père a réalisé que j'étais capable de relever des mélodies complexes avec précision à un âge où la majorité des enfants ne savent pas chanter juste, et m'a offert mon premier clavier et des leçons de pianos. Je me suis mise à relever des morceaux à l'instrument puis très vite à composer des chansons et des instrumentaux. Le détour par un parcours académique en conservatoire puis à la fac m'a un temps éloigné de mon identité de songwriter mais j'ai renoué avec dans ma vingtaine et cette partie de moi ne m'a jamais quittée depuis. Je me suis spécialisée dans l'americana (bluegrass, old time, country, folk) et je donne aujourd'hui à l'occasion, en plus des cours de chant individuels, des ateliers d'harmonisation à trois voix dans le style Southern Gospel, pour apprendre à trouver soi-même une deuxième voix, et des sessions de lyric-writing practice.

• 2) Quelle musique pouvez-vous écouter en boucle avec toujours le même plaisir (et sans devenir dingue) ?

  De l'old time music. Ce genre typique des montagnes de l'Est Américain qui dans sa forme la plus traditionnelle se chante a capella ou se joue en duo banjo-violon, nous donne un rôle de passeur de répertoire, de vieilles balades (la plus ancienne que je chante sur scène date de l’ère victorienne, l’époque de Shakespeare !), d'histoires des ancêtres, de génération en génération, ce qui parle à la songwriter/story-teller que je suis.
  
  C'est aussi une tradition orale qui repose beaucoup sur le fait d'apprendre de ses pairs, de se montrer des techniques entre nous. Ça me, correspond, passionnée de pédagogie que je suis.
  
  J’apprécie également le fait que c'est un genre qui est moins tourné vers la performance pour un public externe, et plus sur le fait de se réunir et jouer et chanter ensemble. Ce n’est pas non plus un genre qui met en avant la virtuosité, mais plutôt une sorte de communion, avec la répétition, qui peut amener à une sorte de transe ou de “zone”. On peut parfois rester sur un même morceau pendant très longtemps à répéter le thème en boucle. Cela m'anime car pour moi le chant est une affaire tant spirituelle que de plaisir : le but est d'être investie dans notre propre expérience, à un moment T, en interaction avec des musiciens quand on le peut, et non pas de se préoccuper du résultat ou bien de ce que le public peut penser (ou pourrait penser si on est seul mais qu’on juge notre voix comme si on était écouté).
  
  S'exprimer, c'est ce qui compte, et baigner dans cette musique-là me permet d'exprimer toutes ces facettes de moi-même.
  
  Et quand je suis seule sans personne avec qui partager cela — à la maison, sur mon vélo, ou à marcher les pieds dans l’eau — j'écoute des duos comme Pharis & Jason Romero, ou Gillian Welch et Dave Rawlings, et je chante une troisième voix. C'est un peu comme si j'étais de la partie !

• 3) Parlez-nous du cours le plus difficile ou étonnant que vous avez pu donner !

  Le cours le plus insolite que j'ai donné, c'était un atelier Corps & Voix, qui avait lieu dans un parc. Un cadre onirique — celle qui nous a programmée est partie faire un inventaire naturaliste de papillons juste après nous avoir déposées moi et ma collègue à notre spot… — mais pas idéal pour chanter (un espace ouvert n'est pas propice à la résonance). Néanmoins il y avait quelque chose d'unique à recevoir des promeneurs curieux qui s'arrêtaient en voyant notre installation, nichée entre deux buissons, entourée de fleurs. Nous avions pour l'occasion bricolé des panneaux avec des planches d'anatomie de la voix sur des chevalets ainsi que d'autres outils pédagogiques. Des choses sur lesquelles je ne passe pas forcément trop de temps en cours individuel, mais que j'adore transmettre.

• 4) D’après vous, quel est l’instrument le plus compliqué à maîtriser et pourquoi ?

  Dans la musique old time, ce n'est pas rare de voir des personnes qui maîtrisent déjà un instrument se mettre au violon sur le tard, et je dois dire que ça m'impressionne à chaque fois. C'est l'instrument qui m'intimide le plus, au point que je suis certaine que je n'essaierai jamais. Je collabore beaucoup avec des violonistes, et il est commun d'entendre que le violon essaie d'imiter la voix. C'est peut-être pour cela que quelque soient les groupes dans lesquels j'ai pu chanter depuis une vingtaine d'années, le violon en a toujours fait partie.

• 5) Quelles sont, pour vous, les clés de la réussite (hormis celles de Sol et de Fa) ?

  Pour moi, la clé de la réussite, c'est de trouver du plaisir dans le process. Si on est focus uniquement sur les résultats mais qu'on a pas de fun dans l'exploration, qu'on a pas le désir de pratiquer, on va se décourager, et ça va être difficile de trouver sans cesse des facteurs externes pour nous garder motivé.
  
  Par ailleurs je suis familière des difficultés d'apprentissage liées aux neurodivergences comme le TDAH, l’hypersensibilité ou le TSA, et j'ai compris qu'il fallait que l’apprentissage passe par les émotions, par les sensations, par le corps, et par le plaisir et la curiosité, pour que la motivation intrinsèque se développe et maintienne engagé. C’est peut-être d’autant plus vrai pour ce public mais selon mon expérience ça s’avère efficace pour tout le monde.
  
  À partir de là, on développe des critères différents pour mesurer le succès, qui sont plus gratifiants qu'un validation externe ou bien un objectif superficiel, et plus susceptibles de nous donner envie de continuer d’avancer. Le processus d'apprentissage devient source d'évolution personnelle, reconfigure notre identité, notre perception de nous-même en tant qu'artiste. On peut toujours se mettre des objectifs sur le chemin — ils sont une partie importante de ma pédagogie — mais ils sont des balises sur notre quête d'expression authentique de nous-même, pas une fin en soi.

• 6) Citez 3 musiciens avec lesquels vous rêveriez de faire un boeuf dans un bar à 2 h du mat et dites-nous pourquoi !

  Le premier serait sans hésiter Rufus Wainwright. Je suis fan de ce singer-songwriter depuis son premier album, j'ai appris plein de ses morceaux au piano, je l'ai vu un bon nombre de fois en concerts... Ce que j'admire chez lui, c'est qu'en tant que chanteur il prend des risques. Beaucoup de chanteurs restent dans une "safe zone". Lui se renouvelle, tente de nouveaux répertoires qui challengent son registre et sa technique à chaque concert, et il continue d'évoluer. On comprend le concept de "guitar hero" mais on a besoin de plus de "vocal heroes". Je nous vois bien dans ce bar Place de la Contrescarpe dont le nom m'échappe, lui au piano, chantant l'une de ses balades pendant que j'harmonise. J'ai récemment entendu sa reprise de She Used To Be Mine en duo avec l'auteure, Sara Bareilles. Une merveille. Ce serait un rêve de m'éclater comme ça vocalement avec un chanteur de son gabarit.
  
  Le deuxième aurait été D'Angelo. Ça m'a vraiment brisé le cœur quand il est décédé l'année dernière. Son album Voodoo, c’est toute mon adolescence. Tous les soirs, allongée dans mon lit, casque vissé sur les oreilles, il tournait sur mon Discman (ah les 90’s…). Mon premier concert non-musique classique. J’y suis allée seule car je ne connaissais personne qui écoutait ça à l'époque. Ma mère m'avait accompagnée sur Paris, et m'avait fait couper la file en tchatchant le mec de la sécurité de la file VIP lol. Slum Village en première partie. Mind blown. Mon monde n'a plus jamais été le même après ça. Bilal sortait son premier album un an plus tard, même obsession. J'ai eu la chance de le voir à New York avant qu'il soit connu, il traînait avec des connaissances communes. J'aurais aimé être une musicienne plus mature à l'époque pour avoir quelque chose de solide à apporter et bœufer avec lui comme d'autres amis ont pu le faire. Ces gars-là rigolent pas.
  
  Et enfin Stevie Wonder. Y a-t-il besoin d'en dire plus ? Je suis assez fière d'une compo que j'ai écrite qui sonne vraiment dans son style. Je nous imagine dans un moment où je lui montre, il l'essaye et on jam dessus.
  
  Je pense aussi au duo de frères Irlandais de Ye Vagabonds. Leur arrangements vocaux sont simples et superbes. Je les ai vu au Centre Culturel Irlandais l’an dernier pour la Saint-Brigid. On était en effet dans un bar après avec mon ami qui les avait programmé, mais pas jusqu’à deux heures du matin, et, plus crucialement, pas de jam 😢 (ceci-dit un ancien crush rencontré à une jam irlandaise à Montréal 10 ans plus tôt, lui, était là lol).

• 7) Une anecdote à raconter en rapport avec votre métier ou votre scolarité (et pas forcément la fiesta que vous avez faite suite à votre entrée au Conservatoire) ?

  J'étais en route pour Nashville, le Disneyland des songwriters. Je venais d'y passer un mois, "to work on my craft", écrire avec d'autres, me frotter aux open mics les plus réputés de la planète, etc. Lors de ce second voyage, j’allais retrouver mon copain, mais en ce jour 1 de la première quarantaine COVID, je me suis retrouvée coincée au Mexique — visas européens bloqués une heure avant mon arrivée à l'enregistrement pour ma connection depuis Mexico City. Quitte à être au paradis, je me suis rendue dans ce petit village sur la côte Pacifique.
  
  Frustrée que mes plans de surfer sur le momentum que j'avais amorcé à Nashville soient tués dans l'œuf, je me demandais ce que j’allais bien pouvoir faire. N'y résidaient que des locaux, expats, et des personnes dans une situation similaire à la mienne. Mais très vite on m’a présenté des musiciens, et c’est à ce jour la communauté de musiciens la plus inspirante que j'ai pu connaître. J'ai écrit et co-écrit mes meilleures chansons, fait des concerts, je participais à des sessions avec d'autres songwriters pour qu'on s'entraide sur nos morceaux en cours, bref, tout ce que je pensais que seul Nashville pouvait m'apporter, et que je ne m'attendais certainement pas à trouver dans un village de pêcheurs / surfers au Mexique ! Les amis que je me suis fait là-bas sont encore dans ma vie et dans ma musique et ce sera toujours la maison dans mon cœur.

• 8) Quel est votre petite touche qui fait de vous un Superprof adoré par tous ses élèves ?

  Si je me fie au feedback que j'entend souvent, ils apprécient 1) ma douceur, 2) le fait que je sache cibler leur problématique, mais peut-être surtout 3) le fait que ma méthodologie — que j'adapte toujours à leurs objectifs, car j'ai beaucoup d'outils différents — leur permet de mieux comprendre leur voix, d'avoir une meilleur conscience de ce qu'ils font, et de mieux comprendre la musique. Cela leur donne plus de pouvoir d’interprétation, voire de composition ou d’improvisation, ou simplement plus de confiance pour explorer quand ils pratiquent les exos de technique vocale tout en gardant un geste vocal sain.
  
  L'autonomie de mes élèves, et le fait qu'ils soient au centre de leur processus d'apprentissage, est très important pour moi. J'ai vu beaucoup de relations élèves-prof, surtout dans mon parcours en chant lyrique, où le ou la prof donnait à l'élève le sentiment de dépendre d'elle pour bien chanter. Je l'ai vécu aussi. Il y avait souvent dans cette culture de la génération au-dessus de la mienne des profs qui créaient une relation personnelle qui manquait de cadre, avec un différentiel de pouvoir en faveur du ou de la prof. L’élève développait un attachement et un besoin d'approbation du prof pour mesurer son estime en tant qu’artiste/chanteur, et même parfois au-delà.
  
  J'ai fait un choix très conscient de me former à une approche qui respecte le pouvoir de l'élève. J’ai toujours travaillé ainsi, mais c’est d’autant plus le cas depuis que j’ai approfondi ces compétences lors de ma formation de coach personnel. Mon espace est inclusif, safe et sensibilisé aux traumas — chose importante quand on travaille avec le corps et les émotions, ce dont on ne peut pas faire l'impasse en chant.